以形写神,形神兼备,古代画家的高级审美

以形写神、形神兼备是古代画家在创作中重要的审美思想,在这种思想的指导下,历代画家都不断尝试用各种手法表现形与神的关系。神可以简单地理解为神似,是内在精神气质的刻画。首先提出以形写神的画家是晋朝的名家顾恺之,他的真迹画作已经不存于世了,《女史箴图》、《洛神赋卷》都是唐宋时期的临摹版本,从中仍能领略到顾恺之真迹的风采。
顾恺之提出“传神”的审美观之后,受到了南北朝时期的绘画理论家谢赫的重视。谢赫在美术史中的地位很崇高,甚至有人说他是第一位美学评价家。谢赫在他的著作《古画品录》中着重论述了“形色”与“神气”的关系。传神在他的论述中特指人物画的创作,其实从创作规律来看,这个审美观点经过不断延伸,逐步从人物画扩展到花鸟画和山水画。
到了宋代,文人开始参与到绘画创作中来,文人墨戏成为一种时尚。这个时候“传神”被赋予了更多文学含义。他们把文学创作中的“兴会神到”引入到绘画创作之中,让绘画多了趣味性要素。这样的趣味性影响后代就有了文人画的异军突起。绘画创作除了技法之外,还要有更多的艺术性衡量标准。无论画家在创作中还是世人在欣赏中常常会借用欣赏诗文的观点去分析绘画作品。
王维画雪中芭蕉引出的争论一直没有停息过,细细分析一下,大雪是北方冬季的时令特征,芭蕉是南方才有植物,雪中芭蕉有点“风马牛不相及”的感觉。南方植物在北方寒冬依然苍翠,这样的矛盾性其实就是文人的高级审美。王维画的是“神气”,超越了对客观事物的简单描摹。画家可以通过神到意会,创作出内涵丰富的绝妙佳作。
看似不合理,看似违背客观规律,看似杂乱无章,破除种种表象之后,就会发现当神游象外的时候,就是艺术作品最美的时刻。从唐代名家追求的笔端有神到明清画家倡导的妙在似与不似间,其实都是历代名家对“神”的追求。古人讲,诗成若有神,一幅好的绘画作品何尝不是如此。画龙点睛的典故说的也是这个道理,高级感就产生于这些精奥玄妙的艺术见解。
当然了,在艺术创作中有很多审美观点都是相对的,面对复杂的事物时,“二元论”的方法虽然简单,但往往会遮蔽双眼。不过对于神妙境界的追求,贯穿于整个国画发展史中。
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真正雅致的景色也许就在身边,张大千绘《秋林萧散》风光旖旎,仿佛身临其境,钱松喦绘《林泉幽趣》古代就有花样滑冰,清代宫廷画家张为邦、姚文翰合绘《冰嬉图》笔墨纯熟不屑于炫技,这就是返璞归真,八大山人绘《水木湛清华》你品品,你细品,王翚传世真迹《秋树昏鸦》

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